Dernière mise à jour: 22.02.20

 

Flûtes – Guide d’achat, Classement et Tests

 

La flûte est un instrument à vent qui est très prisée. Si vous aimez en jouer, sachez qu’avant tout, vous devez trouver un modèle adapté à votre niveau et assez robuste pour tenir pendant des années. Dans ce classement, nous vous en proposons quelques-uns. En voici déjà deux qui pourraient vous intéresser. Moeck Flûte à bec Alto Rottenburgh Erable 239 Ref 4300 vous fait profitez d’un son plus clair, donc de grande qualité. Ce modèle a été traité contre l’enrouement. Flûte irlandaise traditionnelle en 3 parties avec étui de luxe est d’une grande classe grâce à sa couleur noire.

 

 

Tableau comparatif

 

Le bon
Le mauvais
Conclusion
Prix

 

 

Les 9 Meilleures Flûtes (Avis & Tests) de 2020

 

 

Flûte à bec

 

1. Moeck Flûte à bec Alto Rottenburgh Erable 239 Ref 4300

 

La flûte Alto de la marque Moeck est conçue en érable naturel, elle produit un son d’une grande clarté. Cette essence de bois contribue à faire ressortir une certaine chaleur dans les sonorités.

Grâce à l’entrée d’air plus petite et la sortie plus large, l’acoustique est améliorée. Ainsi, cet instrument est parfait que ce soit pour accompagner un ensemble ou jouer en solo.

Son volume est suffisamment important pour ne pas être couvert par les autres éléments d’un orchestre. De plus, il joue sur tous les registres avec une grande clarté. En tant qu’alto, il sera plus à son aise dans les morceaux jouant dans les basses. Avec un doigté baroque, le corps est équipé de doubles trous. De par sa conception, cette flûte est maniable.

 

Les pour

Bonne sonorité : Le son produit par cette flûte est clair et puissant. Elle constitue un instrument parfaitement adapté non seulement pour jouer dans un ensemble, mais aussi pour des morceaux en solo. Elle s’adapte à tous les registres, qu’ils soient hauts ou bas.  

Qualité de fabrication : Taillée dans de l’érable, cette flûte est conçue selon des procédures de haute technologie. Cela influe sur l’acoustique et la fiabilité de l’instrument. Chaque partie est pensée pour en faire la flûte la plus performante.

 

Les contre

Pas pour les débutants : En tant qu’instrument alto, cette flûte est de grande taille. Bien qu’adaptée à toutes les mains, elle est plus un modèle pour les musiciens avertis. Elle convient donc moins pour les débutants. De plus, son prix est assez élevé pour commencer à jouer.  

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Flûte irlandaise

 

2. Flûte irlandaise traditionnelle en 3 parties avec étui de luxe

 

La musique traditionnelle irlandaise intègre plusieurs instruments. La flûte irlandaise entre dans la catégorie des traversières. Héritées des modèles du XVIIIe siècle, cette flûte en reprend les caractéristiques. Elle est conçue en bois et, comme le tin whistle, comprend 6 trous. Ce modèle est composé d’un corps divisé en 3 parties.

Ces composantes s’assemblent facilement, mais restent toutefois d’utilisation sécurisée. Cet instrument est conçu dans un polymère d’ébène. Ainsi, tout l’instrument est d’une belle couleur noire. Des anneaux plaqués d’argent entrecoupent la longueur de la flûte. Ils donnent un aspect luxueux à l’instrument. Une glissière en laiton est également présente sur l’instrument. Ce matériau est solide et il n’est pas sensible à la corrosion.

À part l’instrument lui-même, cette flûte irlandaise traditionnelle est confortablement installée dans un étui. Ce coffret est, lui aussi, de bonne fabrique. L’extérieur est conçu en imitant le cuir. Vous pouvez consulter un comparatif pour vous assurer de la qualité de cet instrument avant de l’acheter.

 

Les pour

Beau design : Du premier coup d’œil, on peut constater qu’il s’agit d’un instrument de luxe. Cette flûte traditionnelle irlandaise avec ses couleurs noir et argenté est agréable à regarder.  

Bonne sonorité : Parfaite pour accompagner une musique traditionnelle, cette flûte produit un son excellent. Elle ne se contente pas d’être esthétiquement belle, elle est aussi parfaitement fonctionnelle. Sa longueur est idéale pour un volume important.

 

Les contre

Prise en main difficile : Il faut s’entraîner de manière continue et ardue pour pouvoir produire un son correctement. Comme avec toutes les flûtes traversières, il est nécessaire de prendre de bonnes habitudes.

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Flûte traversière

 

3. Nuvo Flûte Traversière Noir/Argente

 

Ce modèle de la marque Nuvo fait partie de ceux les plus modernes. Chaque partie, du corps aux clés en passant par l’embouchure, est pensée pour produire une excellente sonorité. La tête est équipée d’une embouchure de qualité.

Au cas où cet élément serait difficile à manipuler, les fabricants ont fait accompagner l’instrument d’une 2e embouchure identique à celle des flûtes à bec. Grâce à cet accessoire, cette flûte traversière est parfaitement adaptée pour les musiciens débutants. Mais de par sa qualité, cet instrument convient également aux flutistes plus avertis.

Le pied est accordé en C (ut). La tessiture s’étend néanmoins jusqu’à D. Cela lui confère, outre un excellent son, la capacité de jouer sur tous les registres. Malgré cette qualité, elle reste une flûte pas chère.

Du point de vue technique, cette flûte pèse 225 g. Elle mesure 50 cm.

 

Les pour

Peu d’entretien : Cet instrument ne nécessite pas de fréquents entretiens. Une fois montée, cette flûte n’a pas besoin d’être démontée, même en cas d’inactivité. De plus, les outils et accessoires utiles pour préserver sa qualité sont fournis.

Bonne pour débuter : Avec une embouchure semblable à celle des flûtes à bec, la technique peut être rapidement acquise. Cette flûte est adaptée à ceux qui commencent tout juste l’apprentissage de la musique.

 

Les contre

Pour les débutants : Malgré un bon son et un jeu adapté à tous les niveaux, cette flûte traversière reste toutefois un instrument conçu pour les débutants. Elle n’a pas la qualité professionnelle requise pour les grands orchestres.

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Flûte indienne

 

4. Royaltyroute Transverse Base Bamboo Flute Bansuri (Tune F) bois Instrument

 

Ce bansuri accordé en F est taillé sur une base de bambou et mesure 71 cm. Comme les autres instruments de sa catégorie, il s’agit d’une flûte qui se joue comme une traversière.

À part le trou servant d’embouchure, cette flûte indienne en contient 6 autres. Elle joue dans un registre grave. Le bambou, la longueur de l’instrument et la position des trous lui donnent un ton complexe. Cet instrument à bois de basse fréquence est idéal pour les concerts et pour les enregistrements en studio. Il convient surtout à des professionnels ayant déjà l’habitude des orchestres ou autres flûtistes confirmés.

Au niveau des ornementations, cette flûte indienne est ce qu’il y a de plus traditionnel. Elle comporte 2 bandes noires à chacune des extrémités puis une bande rouge séparant la tête et le corps.

 

Les pour

Son original : Cette flûte indienne produit des sons de très bonne qualité. Jouant dans les basses fréquences, les sonorités qu’elle sort sont chaudes. Les mélodies de cet instrument revêtent des tons complexes, mais harmonieux.

Instrument décoratif : Conçue de manière traditionnelle, cette flûte indienne est très décorative. Le bambou dont elle est faite est utilisé fréquemment en tant qu’ornement. De plus, les fils noirs et rouges enroulés améliorent l’esthétique de l’ensemble.

 

Les contre

Trop grand : Ce modèle fait 71 cm de long. La distance entre les trous est donc très importante. Il faut par conséquent avoir de grandes mains pour pouvoir en jouer. Même ainsi, il faut beaucoup de pratique pour pouvoir en jouer correctement.

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Flûte chinoise

 

5. Interact China 100% Artisanat Hulusi Professionnel

 

Cet instrument est composé d’un corps en calebasse naturelle. De celle-ci sortent 3 tubes. L’un d’eux est plus long que les autres. Il s’agit de l’élément comportant les trous pour jouer effectivement de l’instrument. Les 2 autres sont des bourdons.

Concernant les matériaux, cette flûte chinoise est presque entièrement composée d’éléments naturels. En plus du corps fabriqué dans une calebasse, les tubes sont en bois. Il s’agit d’ébène naturelle. Quant à l’embouchure, elle est taillée dans de la corne de buffle. L’instrument en entier est fait à la main. Un nœud chinois ornemental vient  embellir l’esthétique de la flûte.

Les raccords de cette flûte chinoise sont en alliage de cuivre et de nickel. Cela permet une grande stabilité du son. Chaque élément est détachable. Ainsi, l’entretien de l’instrument est facilité.

 

Les pour

Son authentique : Provenant directement de la région du Yunnan, cette flûte chinoise produit des sons originaux, traditionnels et authentiques. La qualité du bois utilisé y contribue largement.

Esthétique : À l’instar de tous les instruments traditionnels, celui-ci est très beau. Les éléments naturels qui le composent s’assemblent de façon harmonieuse. Le nœud chinois qui l’orne accentue cet aspect esthétique. En plus d’être fonctionnelle, cette flûte est donc aussi décorative.

 

Les contre

N’est pas adapté pour les débutants : Le doigté de cette flûte est quasiment identique à celui de la flûte à bec ou du fifre. Toutefois, cette flûte est plus adaptée aux professionnels. Même s’il ne faut qu’une trentaine de minutes pour commencer à y jouer convenablement, les musiciens plus avancés seront plus à l’aise.

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Flûte japonaise

 

6. Taiko center C Major Shinobue Flûte de bambou

 

La flûte japonaise est également appelée shinobue. Il s’agit d’une flûte traversière. Elle est utilisée de manière traditionnelle dans les différents festivals. Ce modèle, notamment, mesure 45,2 cm de long. Il est fabriqué dans du bambou naturel. Une des particularités du shinobue est que l’intérieur est laqué.

Celui-ci a un intérieur peint d’un joli ton de rouge. L’extérieur lui est recouvert d’un vernis transparent. Il permet ainsi de parfaitement distinguer les fibres naturelles du bambou. Des bandes noires marquent les extrémités et une autre sépare la tête du corps.

7 trous sont présents sur la flûte japonaise. Ils permettent de jouer sur une gamme diatonique majeure. Ainsi, il est possible d’interpréter les morceaux les plus courants du répertoire japonais. Vous n’aurez plus à vous demander comment choisir les meilleures flûtes de 2020.

 

Les pour

Instrument de qualité : Le bambou dans lequel cette flûte japonaise est conçue est choisi minutieusement. Étant donné que l’on souffle dedans, l’humidité a tendance à s’accumuler. La laque intérieure et le vernis extérieur protègent ainsi l’instrument contre toute dégradation. Une pochette est également fournie avec la flûte.

Son agréable : Comme tout instrument à vent, cette flûte japonaise en bambou produit un son harmonieux. L’effet de souffle caractéristique des flûtes traversières s’entend bien sur cet instrument. Cela lui donne une sonorité chaude et agréable. Une fois le jeu maîtrisé, cette flûte donne de belles mélodies asiatiques.

 

Les contre

Imperfections de finition : Étant un instrument traditionnel et fait de matières naturelles, il subsiste quelques défauts dans les finitions, notamment dans la couleur.

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Flûte à coulisse

 

7. Acme 472 Flûte à Coulisse

 

À mi-chemin entre la flûte et le sifflet, la flûte à coulisse est un instrument à part entière. Elle dispose d’une embouchure identique aux petits instruments à vent. Il s’agit d’un bec de petite taille.

Le corps est droit et ne comporte aucun trou. La variation des sons est assurée par le mouvement d’une tige. Elle a la même fonction que le tube mobile du trombone. Son nom vient de cet élément. Ce modèle de ACME peut varier les notes sur une octave entière.

Mais quelle flûte choisir ? D’un poids de 90,7 g, ce « sifflet » grand format mesure 30,2 cm de long. Le corps et la coulisse sont métalliques. Ils sont donc très robustes. Cette flûte à coulisse est de fabrication britannique. Elle est de très bonne qualité. La portée du son généré par cet instrument est très étendue. Ainsi, cet instrument peut faire également office de répulsif à animaux indésirables.

 

Les pour

Longue portée : La puissance sonore de cet instrument est exceptionnelle. Cette flûte à coulisse arrive à transmettre son signal à travers de longues distances et même dans de grands espaces. Cela est utile dans beaucoup de circonstances.

Effets sonores : Comme le son peut varier sur une octave, cette flûte dispose d’une large gamme d’effets sonores.  

 

Les contre

Absence de manuel d’utilisation : Les instructions à l’arrière du packaging sont insuffisantes. Pourtant, la manipulation de cette flûte à coulisse n’est pas à la portée du premier venu, sauf si l’on veut juste souffler dedans comme dans un sifflet.

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Flûte alto

 

8. Yamaha YRA312BIII Flûte à Bec Résine Bois de Rose

 

La flûte est représentative des instruments à vent. Il en existe une grande variété de formes et de tonalité. La plus classique est sans doute la flûte à bec. Celle-ci fait partie de la série 300 de Yamaha. Ce modèle YRA312BIII est une alto. Elle est donc dans un ton plus grave qu’une soprano. En effet, celle-ci est accordée en Si bémol.

Concernant la fabrication de cet instrument, elle est assurée d’être de qualité. Le corps de cette flûte est conçu en plastique ABS. Ce matériau est très résistant, pratique et facile à entretenir.

Il est capable de reproduire les performances d’une flûte en bois, qui elle, est beaucoup plus chère. Cette alto est l’une des meilleures flûtes qui puissent se trouver. Elle reprend la couleur du bois de rose. L’embouchure, le col et d’autres parties de la flûte sont de couleur crème.

 

Les pour

Bonne sonorité : Cette flûte alto a tout pour concurrencer celles en bois. À l’aise dans les registres bas, les notes produites sont justes. Le son est chaud et les notes tiennent bien. Le timbre de cet instrument est agréable.  

Qualité de fabrication : Les matériaux utilisés pour la confection de cet instrument sont robustes et de haute qualité. Ils sont également faciles à entretenir. Le plastique ABS est fiable et résistant. Ainsi, cette flûte est extrêmement durable.

 

Les contre

Uniquement pour les débutants : Toutefois, il faut que ceux-ci aient des mains assez larges pour pouvoir en jouer. En effet, l’écartement entre les trous est important. Les adultes sont donc les plus indiqués pour en jouer.

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Flûte Yamaha

 

9. Yamaha-Flûte à bec ténor 304B ans

 

Le modèle ténor YRT304Bde la meilleure marque de flûtes peut servir, non seulement d’instrument d’étude, mais également pour des enregistrements ou même des concerts.

Accordé en C, il se joue avec un doigté baroque. Il s’agit du doigté le plus courant, notamment pour les flûtes à bec. Une clé est présente pour les notes C et C#. De plus, un repose-pouce est disponible afin de rendre le jeu plus confortable.

La fabrication de cet instrument suit des procédures strictes et bien rodées. Il est fait en résine ABS comme toutes les flûtes plastiques de la marque. Il s’agit d’un matériau résistant et nécessitant peu d’entretien. Cette flûte est de couleur noire avec des parties crème qui la démarquent au premier coup d’œil. Elle est constituée de 3 parties démontables. Il s’agit de la tête, du corps et du pied qui contient la clé.

Ne vous demandez plus quelle est la meilleure flûte du marché.

 

Les pour

Confection de qualité : Cette meilleure flûte est à l’image de la marque. Elle est fabriquée avec soin dans des matériaux de qualité. Ceux-ci en font un instrument solide, fiable et durable. De plus, il ne nécessite que peu d’entretien.  

Excellente sonorité : Étant construit dans des matériaux de qualité, ce ténor produit des sons de non moins bonne qualité. Elle joue bien les tons graves et monte dans les aigus sans grande difficulté. Le son qui sort de cet instrument est riche.

 

Les contre

Conception en plastique : Le plastique froid et l’air chaud soufflé ne font pas bon ménage. En effet, le souffle de la bouche a tendance à se condenser rapidement dans l’instrument. Cela est un peu gênant pour le jeu, mais peut être évité en chauffant préalablement la tête.

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Accessoires

 

Partition de flûte

 

Stephen Ducke 30 chansons irlandaises avec partitions et doigtés

 

Pour jouer d’un instrument de musique, le mieux est d’avoir, en plus de l’instrument lui-même, une partition.

Elle est une sorte de guide indiquant ce que l’on doit jouer et comment le jouer.

Ce livre est un recueil de chansons traditionnelles irlandaises. Elles sont accompagnées de partitions pour flûte irlandaise.

Aucune connaissance préalable du solfège n’est nécessaire pour suivre ces mélodies.

En effet, le doigté de chaque morceau est indiqué. Chaque chanson est arrangée pour que même les débutants puissent en jouer sans trop s’attarder sur la technique.

Ce recueil fait découvrir le folklore irlandais joué sur la flûte à travers des morceaux tels que Danny Boy ou encore The last rose of summer.

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Guide d’achat

 

Parmi tous les instruments à vent, la flûte est certainement la plus connue. Il en existe de différentes formes, de différentes sonorités et pour différents jeux. Qu’elle soit à bec, traversière ou irlandaise, la flûte convient aux débutants autant qu’aux musiciens avancés. Suivez ce guide pour découvrir comment acheter une flûte d’un meilleur rapport qualité-prix.

Quel est votre niveau ?

Soyez honnête avec vous-même. Votre niveau en musique est un critère déterminant pour le choix d’un instrument. Il est vrai que la flûte est perçue comme un étant un instrument pour débutants. D’ailleurs, elle est largement enseignée dans les écoles en cours de musique. Pourtant, comme tous les instruments, la flûte a ses exigences techniques pour pouvoir produire un son mélodieux et harmonieux. Il ne suffit pas de souffler dedans et de boucher puis déboucher les trous. Si vous débutez en musique, le mieux est donc d’opter pour une flûte à bec de taille moyenne.

Si par contre vous avez un niveau plus avancé, le choix est plus large. Que ce soit au niveau de la taille, du registre ou des matériaux, les modèles sont nombreux. Les fabricants proposent des instruments toujours plus compétitifs les uns que les autres. Parmi les marques les plus réputées se trouvent Yamaha et Moeck. Débutant, intermédiaire ou confirmé, vous pouvez consulter un professionnel et demander des conseils pour faire le meilleur choix.  

 

Quel genre de flûte ?

Les instruments à vent se sont extrêmement diversifiés au cours du temps. Qu’il s’agisse de flûte fabriquée en os ou en roseau, elles ont bien évolué au cours du temps. Globalement, on peut classer les flûtes en 2 catégories : les flûtes à bec et les flûtes traversières. Il existe d’autres variantes de ces instruments. La flûte irlandaise est par exemple un type de flûte traversière.

À part le type d’embouchure, ces instruments se déclinent en diverses catégories de taille et de tonalité dans un guide d’achat pour les meilleures flûtes. La flûte à bec est ainsi disponible en sopranino, soprano, alto et ténor. La flûte traversière comprend également plusieurs modèles : piccolo, alto ou encore grande flûte. Certains fabricants proposent des variétés accordées sur des tonalités s’étalant sur les 12 tonalités de la gamme chromatique. Les plus fréquentes sont des flûtes en C pour les sopranos et les ténors, G ou A pour les altos.

Pour commencer, il vaut mieux choisir une flûte à bec soprano. Les notes sont justes et elles conviennent parfaitement aux débutants. Elles servent aussi à l’éveil musical des enfants. Ce sont de vrais instruments se distinguant des jouets, mais n’étant pas pour autant des objets professionnels. La Yamaha YRS-24B est modèle tout à fait convenable.

Les flûtes traversières sont aussi disponibles en version pour débutant. Ce sont des flûtes d’étude accessibles à tous. Le modèle Nuvo N210SF en fait partie. Vous pouvez trouver en ligne où acheter une nouvelle flûte.

 

Dans quel matériau ?

L’utilisation de différents matériaux influe sur la « couleur » du son des instruments. À l’origine, toutes les flûtes étaient fabriquées dans des matières naturelles. Ainsi, les plus vieux modèles étaient faits en os. Puis des modèles en bois sont apparus et plus tard, les flûtes en métal se sont répandues, notamment pour les flûtes traversières. Actuellement, les flûtes d’entrée ou de milieu de gamme sont en plastique résistant.

Les instruments traditionnels comme ceux provenant d’Asie sont généralement taillés dans du bambou. Le shinobue japonais ou la flûte indienne en sont des exemples. Ils produisent un son chaud. C’est aussi le cas des flûtes à bec haut de gamme qui sont fabriquées dans différentes essences de bois tel que l’érable.

Les flûtes traversières sont souvent conçues dans des alliages de cuivre et de nickel. Les modèles les plus chers sont plaqués d’argent, d’or ou de platine. Le son est évidemment plus précis et les notes plus tenues.

Pour quel budget ?

Un critère important pour le choix d’une flûte est le prix de celle-ci. Il en existe pour tous les budgets. Selon la marque, le modèle, les matériaux de sa fabrication, mais surtout le type de flûte, le prix peut aller de quelques dizaines d’€ à plusieurs centaines d’€. Une flûte à bec soprano en plastique ABS coûtera aux alentours de 9 €. Un modèle similaire en bois coûte 20 fois plus cher.

Les guides d’achat pour les meilleures flûtes recommandent donc d’opter pour des flûtes en plastique pour débuter. Elles offrent de bonnes sonorités sans que l’on ait à se ruiner. Consulter un comparateur de prix peut s’avérer utile. Si vous êtes un musicien expérimenté, vous pouvez investir dans un instrument haut de gamme pour des interprétations professionnelles.

 

 

 

Questions fréquentes

 

Q1 : Comment jouer de la flûte à bec ?

Pour jouer de la flûte à bec, le mieux est de commencer sur un instrument en plastique. Il est moins cher, mais avec une sonorité comparable. Après avoir trouvé où acheter la meilleure flûte, la première étape est généralement d’assembler celle-ci, car la plupart des modèles sont conçus en 2 ou 3 parties. La tête comportant le bec se place sur le corps. Il s’agit de la partie avec le plus de trous. La fente se place dans l’alignement des trous. Enfin vient le pied.

Les trous sont légèrement excentrés vers la droite pour permettre à l’auriculaire, qui est plus court, de jouer. La main gauche se place sur la partie supérieure avec le pouce comme support. La main droite se place ensuite. Pour commencer à jouer, il faut apprendre à souffler. Pour cela, placer les lèvres sur le bec sans que celui-ci soit en contact avec les dents. Il ne faut pas souffler trop fort, car le son serait trop aigu et désagréable.

 

Q2 : Comment nettoyer une flûte à bec en plastique ?

Pour nettoyer une flûte à bec en plastique, il faut commencer par démonter l’instrument si les éléments sont détachables. Ensuite, il est possible de laver la flûte comme on lave la vaisselle.

Pour cela, utiliser de l’eau ou du savon. L’usage de l’eau tiède est également possible. Pour faciliter encore plus l’entretien, l’instrument peut passer au lave-vaisselle. En général, un kit de nettoyage est fourni avec la flûte. Une vieille brosse à dents ou un écouvillon fait très bien l’affaire. Il faut par la suite laisser sécher complètement la flûte avant d’en jouer de nouveau.  

 

Q3 : Comment faire un mi à la flûte ?

Après avoir bien pris en main la flûte, il faut commencer par boucher tous les trous. La main gauche se place en premier. Le pouce obstrue le trou du dessous, l’index, le majeur et l’annulaire, eux bouchent les 3 premiers trous. Quant à la main droite, elle se place juste après. L’index et le majeur, eux bouchent les trous suivants. Lorsque l’on souffle, on obtient ainsi la note Mi.

 

Q4 : Qui a composé la flûte enchantée ?

La flûte enchantée est un opéra en allemand composé par Wolfgang Amadeus Mozart en 1791.

 

Q5 : Prendre une flûte traversière à plateau creux ou plein quand on est un débutant ?

Les avis divergent quant aux choix à faire pour une flûte traversière. Lorsque l’on débute avec cet instrument, il est possible de prendre une flûte à plateau creux ou à plateau plein. Ce dernier ne se soucie pas de la position du doigt, mais limite les modes de jeu. Par contre, le second le permet plus de liberté. De plus, des bouchons en plastique sont disponibles pour boucher les plateaux creux. Au cours de l’avancement dans l’apprentissage, ils peuvent être retirés progressivement.

 

 

Dernière mise à jour: 22.02.20

 

Principal avantage :

Aussi beau qu’efficace, cet harmonica a une qualité de finition de haut niveau. Son capot chromé noir est très élégant. Il fait ressortir la belle esthétique de l’instrument en général.

 

Principal inconvénient :

N’étant pas un Promaster, ce modèle a un son légèrement moins clair que ce dernier. Les matériaux utilisés étant différents, cela se ressent dans la brillance des sonorités.

 

Verdict : 9/10

Parfaitement esthétique, ce modèle a un style très personnel et élégant. Cela comble le manque de clarté du son. Il figure parmi les harmonicas les plus prisés cette année.

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Principales Caractéristiques Expliquées

 

Qualité japonaise

La marque ne fabrique pas que des motos. En effet, elle produit également des instruments de musique tout autant efficaces. La preuve avec cet harmonica diatonique. Chaque pièce est soigneusement taillée, découpée, façonnée puis assemblée aux autres avec une parfaite précision. Pour la solidité de l’instrument, le corps est réalisé en aluminium.

La résistance de ce métal à l’humidité et donc à la rouille procure à l’harmonica une grande endurance et donc une bonne tenue dans le temps. Les autres éléments ne sont pas de moindre qualité. Le capot est en laiton chromé de noir. Cet alliage est léger et durable et la finition n’a pas uniquement un but esthétique. Le chromage protège durablement le capot de la corrosion. Tous les matériaux employés sur cet harmonica contribuent donc à l’étanchéité de l’instrument. Ils ne sont pas seulement choisis pour leur robustesse, ils ont également des propriétés acoustiques non négligeables.

Design stylé

L’aspect esthétique n’est pas un critère mineur sur un instrument de musique. Sur ce point, cet harmonica n’a rien à envier aux autres modèles. Aussi beau que pratique, il tient dans une seule main. Il est confortable à tenir et à jouer. Le fabricant l’a conçu dans les dimensions suivantes : 11,8 x 4,2 x 3 cm pour un poids d’environ 91 g. Avec l’étui, ce poids passe aux alentours de 140 g. Cet instrument de musique est donc très compact.

La finition noire chromée lui donne une « classe » incomparable. Ce brillant est contrasté par la sérigraphie du nom du modèle HAMMOND. Le logo « H » est bien mis en évidence sur le capot, conférant à cet harmonica ses lettres de noblesse.

 

Sonorité riche

Avec cet harmonica sur vous, vous saurez ce que ça fait que d’avoir un orgue Hammond dans sa poche. Le son produit par cet instrument n’a rien à envier aux modèles allemands. Il est, en effet, chaud et clair à la fois. Ses 10 trous bien larges permettent d’avoir une grande précision dans les notes jouées. La qualité des anches autorise de larges possibilités d’effets et de styles de jeu.

Le son métallique est caractéristique et donne à cet harmonica une identité propre. De par son caractère diatonique, cet instrument est adapté et est recommandé pour certains types de musique. Ainsi, il s’exécute parfaitement pour le Folk, la Country, le Blues et la musique ethnique. Par contre, il est moins adapté au classique ou au jazz par exemple.

 

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Dernière mise à jour: 22.02.20

 

Principal avantage :

Cet harmonica produit une sonorité de très grande qualité. Le son est chaud, clair et précis. Il est très agréable à écouter.

 

Principal inconvénient :

Cet instrument est diatonique. Cela constitue à la fois un avantage et un inconvénient. Avec ce type d’harmonica, le registre est un peu limité.

 

Verdict : 9.8/10

Cet harmonica est un excellent instrument. Le son qu’il produit est beau malgré le nombre limité de notes que l’on peut jouer avec.

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Principales Caractéristiques Expliquées

 

Un bon instrument pour débuter

Pour débuter dans le domaine des harmonicas, celui-ci est parfaitement adapté. Cet instrument à vent est une bonne alternative à la flûte. Il possède des caractéristiques le rendant utilisable pour la majorité des gens. En effet, sa longueur est de seulement 10 cm. Avec cette taille, même un enfant de moins de 10 ans peut en jouer.

Possédant 10 trous relativement larges, cet harmonica permet de sortir des notes précises même si le souffle ne l’est pas. Il constitue donc un instrument assez simple à maîtriser. De par ses dimensions, il est facile à prendre en main. Sa configuration ajoute encore plus de facilité pour le jeu.

Une fois que l’alternance des souffles (aspirer ou souffler) est comprise, le musicien amateur ne devrait pas avoir de souci pour se rappeler les notes à jouer. Avec une ou deux mains, il peut pratiquer et évoluer rapidement avec cet harmonica.  

Un son exceptionnel

Le son est un critère important pour un instrument de musique. Cet harmonica en produit un à la hauteur de toutes les attentes. Ce son est le résultat de la vibration de fines lames ou anches en laiton. 20 unités de ces pièces sont présentes sur cet harmonica. Elles sont fixées sur une plaque, elle aussi en laiton d’une épaisseur de 0,9 mm. La qualité acoustique de cet élément rigide n’est plus à démontrer.

Avec un accordage traditionnel HOHNER, cet harmonica fournit des accords riches. Bien que diatonique, il est parfaitement adapté pour un large registre musical. Le son chaud et caractéristique qu’il fait ressortir accompagne avec aisance aussi bien la country que le rock et le blues également.   

 

Une fabrication de qualité

De fabrication allemande, cet instrument de musique est robuste et fiable. Les matériaux dans lesquels il a été conçu ont été minutieusement choisis dans cette optique. Le corps sur lequel la plaque de musique en laiton est fixée est fabriqué en plastique de haute qualité. Le capot, lui, est réalisé dans de l’acier inoxydable. La combinaison de ces 3 matériaux donne un instrument solide et possédant une grande longévité.

Fait main, cet harmonica présente des finitions de haute qualité. La forme de cet instrument et les matières utilisées sont garantes du confort tant du musicien que de son jeu. De plus, cet objet est tout-à-fait étanche. Dans un domaine où l’humidité est quasiment omniprésente, cela constitue un avantage indéniable. Cet harmonica est assuré de rester en bon état et ce, pour plusieurs années.

 

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Dernière mise à jour: 22.02.20

 

Traditionnellement, un ocarina est fabriqué à partir de fruits et légumes, de la céramique ou de la terre. Si sa conception diffère légèrement d’une culture à l’autre, son système de fonctionnement est le même. Pour produire des sons, certaines techniques doivent être maîtrisées. Dans cet article, nous allons voir comment tenir et souffler dans cet instrument.

 

Astuce 1 : Apprendre à différencier les notes

 

Étape 1 : L’importance de la maîtrise des notes

Avant d’en jouer, vous devez vous familiariser avec cet instrument de musique. Un ocarina est composé de trous. C’est grâce à ces derniers que vous allez pouvoir produire du son. Si vous ne pouvez pas identifier à quel trou correspond telle ou telle note, vous aurez beaucoup de mal à produire une belle sonorité. Ainsi, l’apprentissage de cet instrument à vent débute d’abord par celui de ses différentes notes.

 

Étape 2 : Les différentes notes d’un ocarina

Sur un ocarina, le nombre de trous n’est pas le même. Certains ne disposent que de quatre tandis que d’autres peuvent contenir jusqu’à une douzaine de trous. Comme vous l’aurez compris, les notes composant cet instrument diffèrent selon le modèle dont vous disposez. Pour positionner vos doigts, vous devez déchiffrer à quelle note correspond chaque trou.

Sur Internet, vous trouverez des cours en image vous permettant d’assimiler facilement les différentes notes. En général, les trous sont représentés en blanc ou noirs. Ceux en blanc sont des trous ouverts tandis que ceux en noir sont bouchés.

 

 

Astuce 2 : La gestion du souffle

 

Étape 1 : Les avantages de la gestion de souffle

La gestion du souffle est indispensable pour n’importe quel instrument à vent. La maîtriser vous fait profiter de deux avantages remarquables vous permettant d’améliorer rapidement votre jeu. D’une part, elle vous permet d’atteindre une bonne justesse au niveau du son. Sachez qu’en soufflant trop doucement ou trop fort dans votre instrument, vous n’obtiendrez que des notes déformées. D’autre part, en gérant bien votre souffle, vous pourrez jouer confortablement. Le risque de vous retrouver essoufflé pendant que vous jouez est très limité.

 

Étape 2 : Maîtrisez la sonorité produite par votre instrument

Lorsque vous soufflez dans un ocarina, il émet un son. Ce dernier est représenté par une vibration causée par le déplacement rapide de l’air. Par conséquent, plus ce dernier va vibrer, plus la sonorité produite est aiguë. Ainsi, si vous jouez une note grave et que vous soufflez un peu trop fort dans votre instrument, le son sera déformé. Vous pourrez même vous retrouver avec des sifflements.

De la même manière, si vous jouez une note aiguë, mais ne mettez pas assez de puissance dans votre souffle, votre instrument pourrait ne produire aucun son. S’il en émet, vous n’obtiendrez certainement qu’un son tremblant ou timide.

Pour éviter ces situations et jouer juste, vous devez vous entraîner à souffler dans votre instrument à vent.

 

Étape 3 : Les différentes techniques pour souffler dans un ocarina

Les exercices permettant de travailler son souffle sont nombreux. Vous pouvez les découvrir dans les différents cours d’ocarina en ligne disponibles sur le web ou traduits dans des livres. Si vous êtes accompagné d’un professeur de musique, il vous recommandera assurément différentes techniques à pratiquer pour bien gérer votre souffle.

Ici, nous allons voir quelques-uns de ces exercices. Les connaître vous évite de souffler sans comprendre véritablement comment cela fonctionne. Vous voulez jouer d’un Ocarina ? Dès à présent, habituez-vous à respirer avec votre ventre. Cette méthode respiratoire vous permet d’obtenir et de canaliser la puissance nécessaire lorsque vous soufflez. La deuxième technique consiste à vous servir de vos abdos. Pour cela, vous devez simplement les contracter. Pour souffler plus ou moins fort, faites des contractions plus ou moins rapides.

 

Astuce 3 : Des exercices à mettre en pratique

Dans les paragraphes suivants, vous trouverez différents exercices pour travailler votre souffle. Ils ont été spécialement sélectionnés pour vous permettre d’apprendre à gérer votre souffle sans trop de difficulté.

 

Étape 1 : L’objectif de ces exercices

Ce type d’entraînement a pour but de vous aider à contrôler la puissance de votre souffle pour qu’il ne soit ni trop faible ni trop fort. Quand vous jouez d’un ocarina, il est important que vous variiez votre souffle. La raison est simple. Pour produire chaque note, vous devez atteindre une quantité d’air bien précise. Ainsi, pratiquer ces exercices quotidiennement vous permet de couper le flux d’air avec justesse. Ce qui vous permet alors de bien séparer les notes. Dans le cas contraire, les sons produits par votre instrument à vent ne seront pas précis. Au lieu d’obtenir des notes distinctes les unes des autres, vous vous retrouvez avec un son qui varie.

 

 

Étape 2 : Premier exercice : souffler sur une bougie

Il consiste à souffler sur une bougie allumée en veillant à ne pas l’éteindre. Pour cet exercice, votre bougie doit être placée à 20 centimètres de votre bouche. Le but est de coucher la flamme et d’éviter qu’elle ne s’éteigne. Vous devez donc souffler dans votre ocarina tout en veillant à ce que la flamme de votre bougie garde cette inclinaison. Lorsque vous serez habitué à faire cet exercice, vous pourrez vous rapprocher petit à petit de votre bougie tout en adaptant votre souffle à ladite inclinaison. En résumé, quelle que soit la distance qui vous sépare de votre bougie, vous devez être en mesure de l’incliner de cette manière sans l’éteindre.

 

Étape 3 : Deuxième exercice : utiliser un bout de papier

Cet entraînement nécessite un bout de papier plus ou moins épais de 2 centimètres de large et environ 8 à 10 centimètres de long. Roulez-le dans le sens de sa longueur pour obtenir un papier de forme spirale que vous allez installer à 20 centimètres de votre bouche. Soufflez par saccade pour le faire balancer. Attention, votre spirale ne doit pas se déplacer. Si votre souffle manque de puissance, elle ne bougera pas. À l’inverse, si vous soufflez un peu trop fort, elle risque de s’envoler.

 

 

 

Dernière mise à jour: 22.02.20

 

L’ocarina est un instrument à vent apparu en Italie aux environs du XIXe siècle. Il émet du son grâce à la vibration d’air produit lorsque vous soufflez à l’intérieur de cet instrument. Sa taille impacte sur sa sonorité, car plus le modèle que vous choisissez est large, plus la note produite sera basse. Si vous envisagez de vous en acheter, voici quelques points à connaître avant de passer à la caisse. 

 

Ocarina : les différentes variantes

Cet instrument de musique est aujourd’hui disponible en divers types. Chacun d’eux se singularise par leur forme, leur timbre, leur couleur, leur taille et le nombre de trous. Généralement, les ocarinas classiques sont munis de quatre à huit trous. Ils produisent la même sonorité et se distinguent des autres types d’ocarinas par la simplicité de leurs tablatures. Cette variante séduit de nombreux joueurs.

Si vous le souhaitez, vous pouvez aussi trouver des modèles dotés de douze trous. Selon l’inspiration du fabricant, certains modèles disposent d’une tessiture plus prolongée. Vous pouvez vous procurer des instruments avec treize trous. Ils sont plus ergonomiques.

 

Astuce 1 : Déterminez le modèle adapté à votre niveau

 

Chaque ocarina se distingue selon le modèle que vous choisissez. Pour connaître le modèle qui vous convient, pensez à vous référer à ses caractéristiques.

 

Étape 1 : Préférez-vous un modèle en pendentif ou en traversier ?

Ils constituent les principaux types d’ocarinas. Ils se différencient l’un de l’autre sur trois points. D’une part, un ocarina traversier est équipé de dix à douze trous généralement. Pour le positionnement des doigts, il vous permet de monter dans la gamme en levant ceux-ci les uns après les autres. Quant aux notes, vous pouvez jouer environ treize notes avec ce type d’instrument, et ce en plus des altérations.

De son côté, l’ocarina en pendentif dispose moins de trous. Ils sont en tout quatre ou six selon le modèle et la marque. Pour cet instrument, vous devez mémoriser les différentes combinaisons de doigtés puisqu’il ne dispose que peu de trous. Le modèle en pendentif vous permet de jouer une dizaine de notes plus les altérations.

 

 

Étape 2 : Un ocarina pour une note aiguë ou grave ?

Du son le plus grave au plus aigu, vous avez le choix entre différentes tonalités. D’une part, les basses vous permettent de produire les notes les plus graves. Ces instruments à vent sont assez volumineux et coûtent plus chers que les autres modèles d’ocarinas. Les sopranos s’avantagent par leur prix très accessible. Ils sont petits et émettent une sonorité très aiguë. Enfin, les altos sont les plus populaires. Leur tonalité est plus grave qu’un soprano et plus aiguë qu’un basse. Voici notre liste de meilleurs produits.

 

Étape 3 : Un modèle en plastique : à privilégier

À l’origine, les matériaux de fabrication de l’ocarina étaient diversifiés. Certains modèles étaient en terre cuite ou en porcelaine tandis que d’autres étaient en métal ou conçus à partir de fruits. Aujourd’hui, les modèles les plus répandus sont en plastique ou en céramique.

Le modèle en plastique présente une plus grande robustesse. Il ne risque pas de se casser si jamais vous le faites tomber. Plus encore, il s’entretient très facilement et son prix est moins coûteux contrairement aux modèles en céramique. Pour le nettoyer, vous aurez simplement besoin d’un peu d’eau savonneuse.

 

Étape 4 : Quelques conseils pratiques

Aujourd’hui, vous pouvez trouver des modèles multichambres. Les trous présents sur ces ocarinas sont plus nombreux. En conséquence, ce type d’instrument vous fait profiter d’une large possibilité au niveau des tonalités. Vous prendrez alors plaisir à explorer ses différentes notes et surtout à créer ou à jouer divers morceaux. Le petit inconvénient avec ces instruments est qu’ils sont volumineux. Plus encore, ils sont très coûteux. Étant donné que vous débutez, le mieux est d’investir d’abord dans un modèle simple à 12 trous.

Prenez garde aux ocarinas péruviens. Ils sont la plupart du temps conçus avec des matériaux de piètre qualité. De plus, ils sont très mal accordés.

 

Astuce 2 : Choix et achat d’un ocarina

 

Étape 1 : Quel modèle choisir ?

Commencez par choisir le modèle qui vous correspond. Les débutants se perdent souvent sur les différentes appellations données aux ocarinas. Résultat, ils ont des difficultés à se décider lors de l’achat. Si vous venez de vous mettre à la pratique de cet instrument de musique, nous vous recommandons d’apprendre à jouer d’un modèle traversier en Do ou en Alto à 12 trous. L’avantage avec cet ocarina est qu’il est très répandu. Vous pourrez donc le trouver facilement et recueillir des renseignements le concernant. Ce qui vous permet de vous faire un avis sur cet instrument avant de l’acheter.

 

 

Étape 2 : Où acheter un ocarina ?

Il s’agit d’un instrument de musique très peu connu. Vous aurez donc beaucoup de mal à le trouver dans les magasins spécialisés dans la vente d’instruments de musique. Du fait de sa rareté, le seul endroit où vous êtes sûr d’en acheter est sur Internet. Par contre, faites attention aux sites de vente en ligne. Ils ne sont pas tous fiables. Vous pourriez donc vous retrouver avec un modèle de mauvaise qualité. Lors de votre achat, préférez les articles proposés sur les sites des revendeurs spécialisés. Concernant le budget, ne vous inquiétez pas, vous pourrez aisément trouver un ocarina à environ 50 euros pour débuter. Certains coûtent parfois moins chers.

 

Étape 3 : Comment jouer de cet instrument ?

La manière de jouer d’un ocarina dépend du nombre de trous qu’il possède. Vous pouvez travailler votre jeu en vous référant au manuel d’utilisation. Si le modèle que vous avez acheté n’en est pas équipé, commencez par apprendre les noms de chaque trou en soufflant dans votre instrument. Mémorisez-les ensuite. Cela fait, vous devez apprendre les gammes basiques tout en veillant à vous rappeler la position de vos doigts. Apprenez ensuite à monter et à descendre dans la gamme. Lorsque vous maîtrisez ces étapes, vous devez vous familiariser avec les différentes notes de musique.

 

 

 

Dernière mise à jour: 22.02.20

 

En Italie, cet instrument est connu sous l’appellation de « tête d’oie ». Il séduit de plus en plus d’amateurs dans le monde entier. Aujourd’hui, il est décliné en divers modèles. Chaque modèle se distingue par son aspect unique, sa matière de fabrication ainsi que sa couleur. Découvrez dans cet article les différents types d’ocarinas disponibles actuellement.

 

I- L’ocarina à travers l’histoire

 

Son histoire remonte à des milliers d’années avant Christ. L’ocarina fut l’un des instruments à vent le moins populaire de l’époque moderne. Au fil du temps, il a su gagner sa place dans le cœur de certains musiciens.

 

  1. L’apparition de cet instrument à vent

Historiquement, l’ocarina est apparu pour la première fois à -10 000 avant Jésus-Christ. À l’époque, on estimait déjà que cet instrument était présent sur tous les continents. En plus d’être un dispositif multiculturel, il est sûrement le plus ancien des instruments de musique de tous les temps. 

Seulement, chaque continent a apporté une touche unique à son ocarina. Ce dernier exprime un aspect propre à chaque culture. C’est la raison pour laquelle vous trouverez des ocarinas fabriqués avec de la terre cuite pour les Américains et avec de la porcelaine pour les Asiatiques. En Afrique, ils sont conçus avec des coques de fruits.

 

  1. La qualité sonore d’un ocarina

Comparée aux autres instruments de musique et surtout à ceux à vent, la sonorité produite par l’ocarina est unique. Elle est incomparable et se démarque par sa singularité. Lorsque vous jouez, vous pouvez obtenir un son grave ou bien aigu. La tonalité émise dépend de la taille que vous choisissez. Les tablatures vous permettent de progresser rapidement dans l’apprentissage de cet instrument à vent.

Le timbre de cet instrument est sourd. Chaque son produit reste omniprésent. Attention à ne pas vous laisser aller, car un ocarina ne pourra jamais remplacer un orchestre symphonique. Il peut accompagner d’autres instruments de musique à condition de bien maîtriser ses techniques de jeu. Dans le cas contraire, vous ne ferez qu’altérer les sons produits par ces instruments et faire de fausses notes.

 

 

  1. Particularité de cet instrument de musique

Sur le commerce, vous pouvez trouver un ocarina pas cher. Cet instrument insolite existe en modèles plus classiques ou bien plus fantaisistes. Les différents types d’ocarinas vous permettent de profiter d’une large gamme de choix. Certains sont dotés d’un nombre de trous limité allant de quatre à huit tandis que d’autres modèles peuvent comporter jusqu’à une douzaine de trous. Il vous appartient de choisir le modèle qui vous correspond.

Parmi ses innombrables atouts, l’ocarina se distingue des autres instruments actuels par son aspect discret. Il se range, se transporte et se prend en main très facilement. Selon sa matière de fabrication, vous pouvez le mettre dans n’importe quel sac.

Cet instrument tend à prendre de plus en plus de notoriété dans le monde de la musique. Amateur ou professionnel, nombreux sont les musiciens qui prennent plaisir à le découvrir.

 

II- Les différents types d’ocarinas

 

La conception d’un ocarina n’est pas la même dans chaque culture. C’est pourquoi le marché regorge de modèles différents tant sur la forme, le nombre de trous et sur le matériau de fabrication. Une fois que vous savez tout sur cet instrument à vent, vous pourrez facilement choisir le vôtre.

 

  1. Les ocarinas selon leur forme

Étant un instrument de musique cosmopolite, il est tout à fait naturel que l’ocarina soit décliné en différents styles. La plupart des modèles en vente actuellement se répartissent suivant différents systèmes de doigté. Vous pouvez rencontrer des modèles de types flûtes cylindriques ou bien globulaires de forme allongée. Ils sont conçus en se basant sur l’aspect des modèles d’ocarinas les plus anciens. Ces instruments sont en forme de sphère aplatie. Certains ocarinas sont conçus sous forme d’animaux. Vous pouvez trouver des modèles péruviens qui s’apparentent à une baleine. Pour produire du son, vous tenez le poisson couché sur le côté puis vous soufflez par la queue. Vous avez en outre des modèles ayant une forme de tête de poule, de baleine ou d’oiseau. Le seul bémol de cette dernière catégorie est qu’au niveau de la qualité musicale, la tonalité est limitée.

 

 

  1. Le nombre de trous composant chaque modèle

Les notes pouvant être jouées avec un ocarina diffèrent suivant le nombre de trous dont il possède. Cet instrument à vent peut être doté de six trous. Sur certains ocarinas, les notes sont parfois inscrites au-dessus des instruments. Il existe également des modèles à quatre trous. Si vous débutez, vous pouvez apprendre à en jouer suivant la méthode de J. André. Certains ocarinas ont un design original comme le gros ocarina basse en forme de tête de poule. Ce dernier est équipé de trous placés sous forme de deux lignes orthogonales.

Concernant le modèle en oiseau de Picard, vous pouvez trouver cinq trous placés sur le dessus de l’ocarina et aucun en dessous. Par contre entre le bec de l’oiseau, vous trouverez un sixième trou qui vous permet de jouer la sous-tonique. Pour ce faire, vous le bouchez simplement avec votre petit doigt. Son système de doigté ressemble à l’ocarina avec quatre trous placés sur le dessus. Les ocarinas de type flûtes globulaires sont équipés de huit trous. Les six sont situés au-dessus de l’instrument et les deux autres sur le dessous.

Vous pouvez aussi trouver des modèles plus fantaisistes munis de dix, douze voir de treize trous. Ils diffèrent au niveau de leur tonalité émise et de leur taille.

 

  1. Les matériaux de fabrications des ocarinas

Le matériau utilisé pour concevoir un ocarina diffère d’un pays à l’autre. Dans certains, les anciens modèles sont métalliques. Outre le métal, les instruments à vent italiens sont fabriqués avec de la terre cuite. Il en est ainsi des ocarinas créés par Guiseppe Luigi DONATI au milieu du XIXe siècle. À Mali, ce type d’instrument est conçu dans des petites calebasses. Ce modèle n’est pas équipé d’un sifflet. Son principe de fonctionnement est le même que celui des flûtes obliques.

 

 

Dernière mise à jour: 22.02.20

 

L’Harmonica est l’un des instruments les plus faciles à jouer, il sonne vraiment bien et peut être utilisé pour une variété de styles musicaux. D’accord, peut-être pas trop, mais c’est amusant de jouer quand même. Voici quelques étapes faciles pour apprendre à jouer de l’harmonica.

 

Étape 1 : Connaître les différents types d’harmonicas

Diatonique : C’est le type d’harmonica le plus commun et le plus simple. Vous voudrez probablement commencer par celui-ci. Un modèle diatonique a 10 trous. Il est conçu pour jouer une gamme majeure diatonique. Des notes supplémentaires peuvent être jouées en « pliant » et différentes échelles peuvent être obtenues en jouant dans différentes positions.

Chromatique : Ce sont des harmonicas de fantaisie. Ils ont un petit bouton sur le côté. Lorsque vous appuyez sur cette touche, la note que vous jouez monte d’un demi-ton. Cela vous permet de jouer dans une gamme chromatique. Bien qu’ils offrent plus de polyvalence, ils sont souvent plus difficiles à jouer, surtout si vous essayez de plier. Non recommandé pour le blues.

Harmonicas Tremolo et Octave : Ces harmonicas ont une double rangée de trous. Sur un trémolo, les notes sont légèrement séparées, mais presque identiques, ce qui crée un effet de vibration « trémolo ». Sur un harmonica d’octave, les notes sont accordées sur une octave (8 notes), créant ainsi un son plus riche si on compare à une guitare à 12 cordes. Les deux sont en quelque sorte rarement utilisés.

Réglages spéciaux : Certains harmonicas ont des gammes différentes, comme les gammes mineures et les gammes conçues pour jouer dans plusieurs tonalités.

Conclusion : commencez par un harmonica diatonique, de préférence dans la tonalité de C (c’est la clé la plus facile à comprendre). Si vous avez besoin d’aide pour réussir votre choix, voici une sélection des meilleurs produits disponibles en ce moment.

 

 

Étape 2 : Comment fonctionne l’harmonica ?

Si vous soufflez dans les trous d’un nouveau harmonica, un à un, de gauche à droite, vous entendrez les notes 1, 3 et 5 d’un accord majeur (Do, Sol, Do dans la tonalité de C) répétées trois fois. Seul, cela ne vous fera pas beaucoup de bien, car ce n’est qu’un accord.

C’est pourquoi jouer de l’harmonica implique une combinaison d’inhalation et d’extraction (également appelée soufflage et dessin). Si vous soufflez dans le trou 4 d’un harmonica en Do, vous entendrez un C. Maintenant, inspirez — la note monte en D. Soufflez dans le prochain trou et c’est une E. Inhalez et la note jouée sera la F. En soufflant dans le trou 6, vous obtenez une G et lorsque vous inhalez, cela fait une A. À ce stade, vous pouvez probablement deviner ce qui va suivre si vous soufflez dans le trou 7 : une B, n’est-ce pas ? Faux ! Si vous soufflez dans le trou 7, vous entendrez un C. Vous devez inspirer pour produire le B. Comme vous pouvez le constater, il n’y a pas de technique définie pour les coups et les tirages d’un harmonica.

Les trois bizarreries principales sont les trous 2, 7 et 10. Dans les 7 à 9, le motif mentionné ci-dessus est modifié de sorte que l’inspiration déplace la note vers le bas plutôt que vers le haut.

 

 

Étape 3 : Techniques pour jouer

Et vient maintenant un problème que beaucoup de joueurs d’harmonica débutants rencontrent.

Il y a deux méthodes principales :

Méthode de Pucker : Pour jouer comme ça, commencez avec les lèvres détendues. Si vous expirez ou inspirez, vous entendrez plusieurs notes. Maintenant, poussez vos lèvres vers l’extérieur, presque comme si vous essayiez d’embrasser quelqu’un. Expérimentez jusqu’à ce que vous puissiez obtenir une seule note claire. Maintenant, restez comme ça. Il peut être utile de penser à vos lèvres comme étant au-dessus ou autour de l’harmonica, plutôt que simplement dessus. Si vous enlevez l’harmonica et que vous avez l’air complètement ridicule, vous le faites bien.

Cela peut sembler difficile au début, mais une fois que vous maîtrisez la technique (ce qui ne devrait pas prendre longtemps), ce sera comme un jeu d’enfant.

Méthode de la langue : Détendez votre bouche de manière à couvrir plusieurs trous, puis couvrez ceux que vous ne voulez pas avec votre langue. Cette technique est souvent utilisée pour « diviser » les notes, ce qui vous permet de jouer deux notes qui ne sont pas directement l’une à côté de l’autre en mettant votre langue entre elles.

 

Étape 4 : La flexion

La flexion est quelque chose qui est difficile à obtenir au début, mais facile à faire une fois que vous l’avez. Cependant, ce n’est pas exactement une technique pour débutant. Assurez-vous que vous pouvez faire tout ce que nous avons mentionné précédemment, en particulier la lecture de notes individuelles, avant de tenter des plis.

La flexion est utilisée pour changer la hauteur d’une note. Tout en inspirant ou en expirant, vous modifiez la forme de votre bouche, en modifiant la vitesse à laquelle l’anche vibre ainsi que la hauteur de la note jouée. Les flexions sont principalement utilisées lors de la lecture d’harmonica de blues.

Les flexions les plus courantes sont celles dessinées, en particulier sur les notes les plus basses.

 

 

Étape 5 : Jouer dans différentes positions

Votre harmonica peut avoir plus d’une clé imprimée dessus. D’un côté, il est probablement indiqué « C », mais de l’autre côté, « G ». Techniquement, votre harmonica est en C, mais vous pouvez jouer un autre type de gamme dans la tonalité de G.

La position naturelle de l’harmonica (dans ce cas, la clé de C) s’appelle première position ou harpe droite. La deuxième, ou croix de harpe, est la clé un cinquième depuis la première position (G).

Pourquoi utiliser différentes positions ? Deux raisons. Premièrement, cela vous permet de jouer à plusieurs clés sur un harmonica. Deuxièmement, cela vous permet de jouer sur deux gammes autres que celle qui est majeure standard. Par exemple, si vous voulez jouer une gamme de blues en do, vous utiliserez un harmonica dans la tonalité de F. Chaque position est un cinquième de la suivante. Ainsi, sur un harmonica en C, la 1re position se trouve dans la tonalité de C, la 2e en Sol, la 3e en D, la 4e en A et la 5e en E. Vous n’utiliserez que rarement une valeur supérieure à la cinquième et vous vous en tiendrez généralement à 2 et 4.

 

 

 

Dernière mise à jour: 22.02.20

 

L’harmonica est un instrument de musique un peu particulier. Chaque modèle est conçu pour accompagner un morceau spécifique. Si vous avez décidé de vous lancer dans son apprentissage, vous devez commencer par identifier les différents types de modèles en vente sur le commerce. De cette manière, vous pourrez déterminer avec quelle tonalité débuter.

 

Les différents types d’harmonicas

 

  1. Le modèle diatonique

L’harmonica diatonique est habituellement constitué de dix trous. Vous pouvez par contre rencontrer des modèles composés d’une douzaine de tonalités suivant la marque d’harmonica que vous choisissez. Ce modèle est plus intuitif.

Ce type d’instrument vous permet d’apprendre et de jouer sept notes différentes d’une gamme majeure. Il vous permet de jouer différents styles de musiques. Ainsi, vous pouvez l’utiliser en Country, Blues, Rock ou encore Folk. Si vous choisissez d’être accompagné par un professeur, il vous conseillera de débuter votre apprentissage avec ce type d’harmonica. Cet instrument est d’ailleurs la base. Tous les joueurs doivent le connaître et commencer par jouer sur cette clé.

 

  1. Le modèle chromatique

Cet instrument de musique est très apprécié par les joueurs d’harmonica. Il est très prisé pour jouer du Jazz ou de la musique classique. Ce type d’instrument se distingue par son design particulier. Vous trouverez sur le côté un bouton vous permettant de jouer sur la tonalité de cet harmonica. Grâce à cet élément, vous pouvez augmenter vos notes d’un ½ ton d’une gamme majeure.

L’harmonica chromatique est un instrument qui nécessite de la part du joueur un investissement plus important que le type diatonique. Plus encore, son apprentissage demande la maîtrise de technique plus avancée.

 

 

  1. L’Octave et le Tremolo

Ces deux types d’harmonicas sont plus rares que les deux premiers modèles. Ils sont moins recommandés aux débutants.

Les harmonicas à Tremolo sont conçus suivant la construction du modèle d’harmonica diatonique traditionnel. À la différence de ce dernier, ils sont composés de « doubles trous ». Chacun d’eux d’une paire s’accorde généralement sur la même note. Sur chaque trou, l’une des lamelles est accordée légèrement au-dessus. Grâce à cette petite différence, lorsque vous soufflez dans le double trou, vous obtenez un effet de « tremolo ».

En ce qui concerne l’harmonica à l’Octave, sa technique de construction ressemble grandement à celle du Tremolo. Il se démarque de ce dernier par l’un de ses trous qui est accordé à l’octave. Grâce à cette technique, cet instrument produit une sonorité largement plus puissante.

 

Les harmonicas les plus populaires

 

Un bon harmonica est celui qui vous permet de jouer avec aisance et de progresser dans votre apprentissage. Pour cela, il vous faut distinguer les différentes tonalités émises par chaque modèle. Généralement, la plupart des joueurs optent d’abord pour les harmonicas diatoniques et chromatiques pour s’initier dans le jeu de cet instrument. Elles s’orientent ensuite vers des modèles plus complexes qui correspondent à leur style ou qui permettent de jouer des clés plus difficiles à maîtriser. En d’autres termes, des instruments qui leur permettent d’exprimer pleinement leur musique.

S’agissant des harmonicas diatoniques, des modèles à accordage spéciaux vous permettent de jouer une gamme correspondant parfaitement au morceau que vous désirez jouer. Dans cette catégorie, vous avez la gamme Septième, Mineure ou encore country. La diversité des gammes vous permet de choisir librement celle qui vous permet d’accompagner les notes que vous étudiez. Actuellement, l’harmonica diatonique C est le plus utilisé.

Pour faire simple, vous devez acquérir un nouvel harmonica pour réaliser des gammes supplémentaires dans le cas où vous n’avez jamais utilisé ou que vous ne maîtrisez pas le modèle chromatique.

 

La particularité des harmonicas diatoniques

Comme mentionné ci-dessus, un harmonica diatonique comporte une dizaine de trous munis de lamelles simples. Cet instrument vous permet de produire des notes dont la tonalité est définie par le morceau que vous jouez. Les tonalités diffèrent selon que vous soufflez ou que vous aspirez à travers les anches métalliques.

Chaque diatonique se distingue au niveau de la tonalité qu’il produit. Il peut jouer une clé en Si, Do, La, Ré, Sol, Fa ou encore Mi. Dans la notation anglo-saxonne, chacune de ses clés est présentée par une lettre. Ainsi, A pour la clé en La, B indique la note Si, C correspond à Do, D équivaut à Ré, E pour Mi, F cadre avec Fa et G représente la tonalité Sol.

Comme vous pouvez le constater, le modèle diatonique vous permet d’expérimenter des possibilités variées. Si vous faites vos premiers pas dans l’univers de l’harmonica, nous vous suggérons de commencer votre apprentissage avec un modèle à 10 trous en Do. En principe, ce dernier vous permet de jouer la plupart des chansons françaises et plusieurs titres pop-folk.

 

 

L’harmonica en clé de C : les avantages

Les professionnels recommandent souvent aux amateurs de cet instrument de musique de débuter leur apprentissage avec la tonalité de Do. Ce qui signifie que votre premier achat en matière d’harmonica doit être un diatonique en clé de C, c’est-à-dire en clé de Do. La raison est simple. La majorité des cours que ce soit en ligne ou par un professeur accompagnateur commencent par cette gamme. Il en est de même pour tous les tutoriels disponibles actuellement. En choisissant ce type d’harmonica, vous entamerez votre étude sans frustration. Ce modèle est conçu pour vous permettre de maîtriser facilement la base. Il est adapté à ces leçons.

Le diatonique se distingue d’autres types d’harmonicas par la simplicité d’apprentissage qu’il offre. Cet instrument vous facilite l’accompagnement d’un morceau selon une gamme précise. Vous apprendrez rapidement les secrets et les rouages de ce type d’harmonica. L’un des points forts de cet instrument de musique est que le risque que vous fassiez de fausses notes est minime. Chacune d’elles qui est jouée avec un harmonica diatonique reste dans la gamme de tonalités composant par votre morceau de musique.

À noter que jouer d’un harmonica ne requiert pas forcément la maîtrise du solfège. Vous pouvez déchiffrer une partition en vous servant d’une écriture tablature. Celle-ci simplifie les notes pour vous permettre de les assimiler plus rapidement.

 

 

 

Dernière mise à jour: 22.02.20

 

Bien tenir l’harmonica est le premier pas pour bien réussir à en jouer. Voici quelques instructions pour vous aider à savoir comment prendre en main votre instrument et jouer les notes.

 

Étape 1 — Les chiffres en haut

Prenez votre harmonica de 10 trous et assurez-vous que les numéros sur le dessus se trouvent face à vous de 1 à 10. L’harmonica va des notes graves au trou 1 aux notes aigües au trou 10.

 

Étape 2 — Tenez-le par la main gauche entre l’index et le pouce

Tenez toujours l’harmonica de la main gauche entre l’index et le pouce. Essayez de garder l’index et le pouce le plus près possible de l’arrière de l’harmonica. Cela laissera un espace pour votre bouche à l’avant.

 

 

Étape 3 — Doigt du milieu derrière l’harmonica

Tenez votre majeur derrière l’harmonica en touchant votre pouce pour empêcher l’harmonica de glisser.

 

Étape 4 — Enroulez le reste des doigts pour faire une tasse

Enroulez le reste de vos doigts pour former une coupe lâche derrière l’harmonica.

 

Étape 5 — Pouce droit sur le côté droit

Maintenant, placez le pouce droit sur l’extrémité droite de l’harmonica en position levée.

Pour bien jouer de l’harmonica, il vous faut savoir également ce qu’est la position.

 

Qu’est-ce qu’une clé ?

Avant d’examiner les positions sur l’harmonica, nous devons comprendre ce qu’est une clé.

En musique, la clé est une note fondamentale et un accord autour desquels tout se joue. C’est une façon de penser assez technique. Mais, fondamentalement, si nous jouons dans la tonalité de C, la musique sera jouée à partir et autour de cette note.

La touche implique également une sélection de notes susceptibles d’apparaître dans la mélodie et les accords. Par exemple dans la clé de C nous avons : C, D, E, F, G, A, B alors que dans la clé de A nous avons : A, B, C #, D, E, F #, G #.

La relation entre la note fondamentale (1re note) et le reste de celles de la clé est la même pour chaque clé. Ainsi, la distance musicale entre C et G est la même que celle entre A et E. C’est ce qu’on appelle une cinquième.

La meilleure façon de comprendre cela est de jouer la même chanson avec 2 touches différentes. La mélodie est toujours reconnaissable, mais elle sera supérieure ou inférieure en fonction de la note sur laquelle vous jouez.

 

Les positions

Nous pouvons maintenant entrer dans le vif du sujet : les positions en harmonica sont la partie la plus obscure de la théorie de la musique jouée avec cet instrument, car elles incarnent un concept qui est rarement discuté.

 

Quelles sont les positions ?

Les positions d’harmonica se basent essentiellement sur le fait que les joueurs de cet instrument peuvent jouer différentes échelles sur un harmonica simple. Pour expliquer : lorsque vous jouez un harmonica en Do, l’accord est conçu pour permettre autant de polyvalence que possible, y compris de nombreuses gammes et accords différents.

 

C Harmonica

La note la plus basse (1 coup) est un do et la note la plus haute (10 coups) est également un do. Selon l’accord original de Richter, un tel harmonica serait décrit comme étant accordé en do majeur. En conséquence, la gamme en do majeur est très facile à jouer pratiquement tout au long des trous 1 à 10 ; nous pouvons décrire la note de C comme étant le tonique naturel (degré I).

Et si nous voulons jouer une mélodie dans une autre clé (par exemple en sol) Eh bien, nous devrons nous assurer que nous avons commencé et fini toutes les gammes que nous avons jouées sur la note de soliste (2 tirages, 3 coups, 6 coups et 9 coups) et que nous jouons également certains accords de Sol. La note de Sol deviendrait le nouveau centre de notre musique : le nouveau tonique. Afin de jouer la gamme de sol majeur sur un harmonica en do, nous devrions utiliser un jeu de trous complètement différent de celui que nous utiliserions pour jouer de la gamme en do majeur. C’est-à-dire qu’il faudrait changer de position.

Ainsi, une position (dans la théorie de l’harmonica) est essentiellement une manière particulière de jouer de la musique dans une tonalité différente par rapport à celle de l’harmonica que vous utilisez. Il y a trois principales positions en Harmonica.

 

 

  •         1re position

1re position signifie simplement que vous jouez dans la tonalité d’entrée de l’harmonica. Donc, si vous avez un harmonica A, vous jouerez dans la tonalité de A. La note fondamentale sera le 1 coup, 4 coup, 7 coup et 10 coup.

  •         2e position

Traditionnellement, beaucoup de blues se joue en 2e position. Elle commence à partir du tirage 2 trous. La raison principale pour laquelle ce type de musique est joué en 2e position est que les notes sont présentées de manière à ce que vous ayez assez facilement accès à celles qui sont courbées.

Donc, si vous avez un harmonica A, vous jouerez dans la tonalité de mi en 2e position.

Le moyen rapide de déterminer la note que vous jouez en 2e position consiste à compter jusqu’à 5 de la note fondamentale de l’harmonica.

Par exemple, sur un harmonica en C, vous comptez C, D, E, F, G pour trouver que vous jouez dans la tonalité de G en 2e position.

Il convient de noter qu’un poste n’est pas une échelle. Vous pouvez jouer la gamme de blues dans plusieurs positions. De ce fait, on peut définir la position comme étant le trou sur lequel vous commencez et qui vous donne ensuite accès à une clé différente.

  •        3e position

La 3e position est traditionnellement utilisée pour beaucoup de jeu mineur. La raison en est que vous avez une 3e mineure facile à toucher dans l’octave du milieu avec le tirage au sort sans faute.

La 3e position commence au 1 ou au 4.

Il est très facile de déterminer quelle clé vous jouez en 3e position. Tout ce que vous avez à faire est de remonter une lettre de la clé de l’harmonica. Donc, si vous en avez un, vous jouerez dans la tonalité de B en 3e position.

 

 

Dernière mise à jour: 22.02.20

 

L’harmonica permet d’exprimer pleinement les émotions à travers diverses tonalités. Sa facilité de prise en main et les différentes notes de cet instrument à vent vous permettent d’accompagner des morceaux variés. Que vous débutiez ou que vous soyez à un niveau plus avancé, vous découvrirez dans cet article des techniques qui pourraient vous aider à améliorer votre façon de jouer.

 

Astuce 1 : Comprendre le diatonisme et les tonalités

 

Étape 1 : La notion de diatonisme

Un harmonica diatonique est constitué de notes d’une gamme majeure à la base. Prenons le cas d’un modèle en C. Elles sont composées de notes naturelles. Ces dernières constituent les notes de la gamme de Do majeur. Sachez toutefois qu’il vous est possible de transformer votre diatonique en harmonica chromatique par le jeu d’altération. Comme vous pouvez le constater, vous pouvez parfaitement jouer différentes tonalités sur un seul instrument.

 

Étape 2 : Le concept des tonalités

Avant de jouer avec un harmonica, vous devez apprendre à différencier la nomination de chaque tonalité et celle des notes. En les maîtrisant, vous limitez le risque de jouer faux. En effet, dans la pratique de cet instrument, il est important d’utiliser une nomenclature précise. Concernant le nom des notes, c’est un mot monosyllabique. Il est selon le cas accompagné du mot « dièse », « double dièse », « bémol », « double bémol » ou encore « bécarre ». Quant à la tonalité, elle est représentée par une lettre de l’alphabet en majuscule.

 

 

Étape 3 : Les différents types de notes

En général, jouer à cet instrument requiert la connaissance des différentes listes de noms de notes dans le monde d’harmonica. D’une part, vous avez les monosyllabiques composées de « do, ré, mi, fa, sol, la et si ». D’autre part, vous avez les notes diésées constituées par : do#, ré#, fa#, sol#, sol# et La#. Enfin, les notes bémolisées qui comportent un ré bémol, un mi bémol, un sol bémol, un La bémol ainsi qu’un si bémol.

 

Étape 4 : Classification des différentes notes

Les tonalités sont classées en trois catégories différentes. Concernant celles qui sont monosyllabiques, l’alphabet A indique la clé La, B correspond à Si, C pour Do, D cadre avec Ré, E représente la tonalité Mi, F pour Fa et la lettre G pour Sol. Concernant les tonalités diésées, le F# représente la clé Fa# tandis que C# pour Do#. Pour terminer, les tonalités bémolisées comportent l’Ab pour La bémol, Bb pour Si bémol, Cb pour Do bémol, Db pour Ré bémol, Eb pour Mi bémol et Gb pour Sol bémol.

 

Astuce 2 : Maîtrisez les différentes positions

 

Étape 1 : Différents harmonicas pour produire la même note

Une fois que vous maîtrisez cet instrument, vous pouvez jouer sur des harmonicas de différentes tonalités ou bien produire en produire plusieurs sur un même instrument. Pour simplifier notre explication, il vous est possible de jouer sur n’importe quel harmonica tout type de tonalités. Illustrons nos propos avec un exemple. Si vous disposez d’un harmonica en clé Do (C), vous pouvez l’utiliser pour produire une tonalité mi mineur. Si vous le souhaitez, vous pouvez jouer la même note sur un harmonica en La (A) ou encore un modèle en Ré (Do).

 

Étape 2 : Les techniques de jeu varient suivant l’instrument choisi

Sachez que même ces différents types d’harmonicas permettent de jouer la même note, vous devez comprendre que la manière de la faire sonner n’est pas la même. La technique diffère d’un modèle à un autre. Dans le cas de figure où vous disposez d’un harmonica en C, vous devez souffler en 2, en 5 et en 8 pour obtenir la note « mi ». Vous pouvez aussi produire cette tonalité en aspirant en 4 ou en 1. Pour ce faire, vous commencez votre jeu avec un dip bend. À noter que cette astuce n’est pas lavable si vous choisissez de jouer en sifflant en 2, 5 et 8.

 

Étape 3 : Positionnez bien votre modèle d’harmonica

En général, les joueurs amateurs commencent leur étude avec un harmonica diatonique. Ce dernier est très populaire par sa simplicité d’usage. Plus encore, les cours proposés aux débutants commencent toujours avec un morceau jouable avec un harmonica en Do (C). Ainsi, si vous jouez en « mi » sur ce type d’instrument, votre harmonica se trouve alors en cinquième position. Par contre, si vous jouez la note « mi » sur un modèle en D, vous jouez en troisième position.

 

 

Astuce 3 : Déterminez votre modèle d’harmonica

 

Ces deux instruments vous permettent de jouer toutes les tonalités. Ils se distinguent selon les styles de morceaux que vous jouez.

 

Étapes 1 : Un diatonique pour jouer du blues

Ce type d’harmonica vous permet de jouer toutes sortes de tonalités, il est souvent associé au Country, au Blues et au Folk. Si vous êtes passionné par ces styles de musique, orientez-vous vers un harmonica diatonique. De nombreux musiciens célèbres ont été d’ailleurs connus grâce à cet instrument de musique, dont Bob Dylan, Litle Walter, Sonny Boy Williamson ou encore Charlie Mc Coy.

Le modèle diatonique est composé de 19 notes naturelles. Vous pouvez produire les notes qui manquent grâce à deux techniques bien précises. Vous avez d’une part les Overblows et les altérations. Elles nécessitent du travail et de la pratique.

 

Étape 2 : Le modèle chromatique pour le Jazz

Cet instrument a été inventé cinquante ans après la création du diatonique. L’harmonica chromatique vous permet de jouer toutes les notes et de produire les mêmes sonorités que sur un piano. La qualité sonore est la même, et ce sans utilisation d’une technique de jeu supplémentaire. On constate une légère différence, car avec un modèle chromatique, les notes sont beaucoup plus plates par nature. Cet instrument de musique est très populaire chez les amateurs de Jazz, de la Pop et des musiques classiques. Parmi les musiciens les plus célèbres jouant d’un harmonica chromatique, vous avez Larry Adler, Gregoire Maret, Toots Thielemans et même Stevie Wonder.